viernes, 20 de noviembre de 2009

Música!


Cada viernes, recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana.
Hoy vamos a hacer memoria para recordar tantos éxitos surgidos del Festival de San Remo.
El Festival de la Canción de San Remo comenzó en el año 1951. Se celebra anualmente en el Teatro Ariston de San Remo (originalmente la sede del festival era el Casino de San Remo), normalmente entre finales de febrero y comienzos de marzo. Con el transcurso de los años, ha cambiado a menudo su fórmula, pero básicamente se trata de una competencia en la que intérpretes de canciones originales e inéditas, compuestas por autores italianos, reciben votos por parte del jurado y del público. Además, el Festival ha servido de inspiración para otro evento musical que involucra a toda Europa: Eurovisión. En las primeras décadas, la temática del Festival era que cada canción fuera interpretada por dos cantantes o agrupaciones, cada uno utilizando su propio estilo y arreglos orquestales, centrando la idea de que se trataba de un concurso de compositores y no de intérpretes. Durante esos años era costumbre que una versión estuviera a cargo de un artista italiano y la otra fuera interpretada por un artista internacional. El Festival lanzó a la fama una gran cantidad de muy famosas y reconocidas voces de Italia, como: Andrea Bocelli, Giorgia, Mietta, Laura Pausini y Eros Ramazzotti. A partir de San Remo surgieron otros que nunca llegaron a opacar su brillo: Canzonissima, Cantagiri, Festivalbar y tantos más. Por otra parte, a lo largo de los años, San Remo se ha convertido en uno de los principales eventos mediáticos de la televisión italiana, que no para de producir debates y polémicas en todas sus ediciones. La próxima -2010- será la número 60!
Una mirada a esta música para el fin de semana...


Pablo Ramírez

viernes, 13 de noviembre de 2009

Música!


Como cada viernes, recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana.
Hoy: Ray Charles.
Nacido el 23 de septiembre de 1930, este cantante y pianista de soul, R&B y jazz, de Georgia (EEUU), nació y se crió en Albany y perdió la vista durante su infancia a causa de un glaucoma. Fue autodidacta del piano pero también recibió clases de música en braille cuando era chico. Paralelamente, tuvo que ganarse la vida como músico cuando fallecieron sus padres.
A finales de los años '40, Ray Charles consigue colocar un disco en las listas de su país y en 1951 obtiene su primer Top Ten, gracias al hit: "Baby, Let Me Hold Your Hand".
Fue criticado por cantar canciones gospel con letras populares, aunque hay una gran tradición en los EE.UU., de poner letras religiosas a canciones populares. Después de una aparición en el Newport Jazz Festival logró un éxito importante en 1959 con su canción más popular: "What'd I Say". La esencia de esta fase de su carrera se puede escuchar en su álbum en vivo Ray Charles en Persona, grabado ante una gran audiencia afroamericana en Atlanta aquel mismo año.
Charles comenzó a ir más allá de los límites de su síntesis blues-gospel mientras seguía con Atlantic que ahora lo llamaba El Genio. Grabó con muchas orquestas y muchos artistas de Jazz como Milt Jackson e incluso hizo su primer cover de música country. Luego cambió de discográfica al mudarse a ABC Records. Allí, Charles tuvo mucho control sobre su música y extendió su enfoque no en proyectos laterales experimentales sino con música pop, dando como resultado la canción "Unchain My Heart" y el número 1 en los listados de Billboard, "Hit the Road, Jack". Ya en 1962, sorprendió a su nueva audiencia extranjera con el importante álbum: "Modern Sounds in Country and Western Music", que incluye los temas "I Can't Stop Loving You" y "You Don't Know Me". A éste le siguió una serie de éxitos, incluyendo "You Are My Sunshine", "Crying Time", "Busted" y "Unchain My Heart".
En 1961, Charles había cancelado un concierto programado en el Bell Auditorium en Augusta (Georgia) para protestar por las ubicaciones segregadas. Y en 1965 fue arrestado por posesión de heroína, droga a la que fue adicto durante 17 años. Aquel fue su tercer arresto por el delito, pero pudo evitar ir a prisión después de dejar el hábito en una clínica en Los Ángeles. Pasó un año en libertad condicional y siguió trabajando.
Después de 1970, Charles cristalizó lo que sería un éxito o su fracaso, con algunos éxitos populares y trabajos aclamados por la crítica y alguna otra música que fue desechada por tildarse como copia. Se concentró entonces en espectáculos en vivo, aunque su versión de "Georgia on My Mind", una canción originalmente escrita para una chica llamada Georgia, fue un éxito y de inmediato proclamada como la canción por excelencia de Georgia el 24 de abril de 1979, con la aparición de Charles en el piso de la legislatura del estado.
En 1980 Charles hizo una breve aparición en la película de los Blues Brothers. En 1986 colaboró con Billy Joel en "Baby Grand" para el álbum: "The Bridge" y también participó en U. S. A. for África junto a Michael Jackson y otros grandes del pop de los EE.UU. También apareció muchas veces en la célebre serie The Nanny, de gran éxito en Argentina.
Los años '80 y '90 acrecentaron la popularidad de Ray Charles en todo el mundo.
En 2004 Charles realizó un álbum de duetos: "Genius Loves Company", que tuvo varias nominaciones a los premios Grammy. Con ese trabajo ganó en las categorías Mejor Álbum del Año y Canción del Año por su dúo con Norah Jones: "Here We Go Again".
Ray Charles falleció a la edad de 73 años, el 10 de junio de 2004 en su casa de California. Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Ángeles, California.
Ese mismo año 2004 se estrenó la película Ray que narra toda su vida. El film ganó 2 Oscars, incluyendo Mejor Actor y Mejor Banda Sonora y además, estuvo nominada a mejor película. Desde su muerte se han seguido editando recopilaciones e incluso se grabaron algunas canciones por el artista inéditas para el disco de la película. También se ha publicado su autobiografía titulada Brother Ray, que narra su vida de la manera más cercana a la realidad posible.
Entre todos los cantantes de R&B, Charles ha sido reconocido como el mejor cantante masculino y como la segunda mejor voz de todos los tiempos, sólo superado por Aretha Franklin.
Una mirada a esta música para el fin de semana...

Pablo Ramírez

sábado, 7 de noviembre de 2009

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana. Hoy, recordamos la genialidad, el buen gusto y la inteligencia de esta excelente y prestigiosa agrupación argentina. Basta de adjetivos!

Les Luthiers: Origen y Trayectoria
A comienzos de los años 60, se desarrollaba en la Argentina una intensa actividad coral universitaria. Todos los años se realizaban festivales corales nacionales, cuya sede iba rotando entre distintas ciudades. Duraban una semana y representaban un importante acontecimiento cultural.
En 1965, el joven arquitecto Gerardo Masana, quien cantaba en el coro de la facultad de Ingeniería de la Universidad de Buenos Aires, compuso la Cantata Modatón, cuya letra estaba basada en el prospecto de un laxante.
La idea era estrenar esa obra en el encuentro que se realizaría ese año en la ciudad de Tucumán, como parte de las humoradas informales que solían hacer los estudiantes para amenizar el cierre de los festivales. Se trataba de divertir a la audiencia con la parodia de una cantata al estilo de Johann Sebastian Bach, interpretada por solistas, coro y una orquesta de exóticos instrumentos construidos por los mismos estudiantes.
La Cantata Modatón –que más adelante pasaría a llamarse Laxatón- reunió por primera vez en un escenario a cinco futuros integrantes de Les Luthiers: Marcos Mundstock, Daniel Rabinovich, Carlos Núñez Cortés, Jorge Maronna –de sólo 17 años- y Gerardo Masana, autor e impulsor del proyecto.
El éxito fue rotundo; nadie esperaba semejante despliegue de originalidad y talento en un festival amateur. La revista Confirmado publicó un artículo donde resaltó a la Cantata Laxatón como el hecho más destacado del festival.
Poco después, un periodista les ofreció contactarlos con el dueño de un teatro para realizar una serie de funciones. Pero para eso, necesitaban un nombre. Optaron por I Musicisti, parodiando al conjunto barroco italiano I Musici.
¿Música? Sí, claro, fue el título del primer espectáculo de I Musicisti, estrenado en 1966. El mismo fue decisivo para que, poco después, el grupo pudiera ser aceptado en la programación del célebre Instituto Di Tella, un centro cultural de vanguardia cuyas obras, llamadas a revolucionar las concepciones artísticas de la época, causaban una gran polémica.
El nuevo espectáculo se bautizó IMYLOH (I Musicisti y las óperas históricas). La repercusión fue notoria, tanto entre la crítica especializada como entre el público. Pero una serie de desacuerdos entre los integrantes del grupo, motivaron que en septiembre de 1967 Masana decidiera separarse, llevándose sus partituras y sus instrumentos. Inmediatamente se fueron con él Mundstock, Rabinovich y Maronna. Carlos Núñez Cortés se les sumaría un año y medio más tarde. (Haga un click aquí para leer la historia de I Musicisti tras la escisión).
Por sugerencia de Maronna, los “disidentes” adoptaron el nombre de Les Luthiers, y volvieron al Di Tella en noviembre de ese año, con el show Les Luthiers cuentan la ópera.
A fines de 1969 se sumó al grupo Carlos López Puccio. Les Luthiers adquirió así su conformación definitiva, que sólo se vería alterada por el paso de Ernesto Acher (quien se incorporó en 1971 y se retiró en 1986) y el fallecimiento de Masana, en noviembre de 1973 (con tan solo 36 años), producto de una enfermedad terminal.
Su desaparición fue un duro golpe para los luthiers. Hasta el día de hoy, en todos los programas de mano de los espectáculos del conjunto se lee: “Fundado por Gerardo Masana en 1967”.
Los años 70 fueron sumamente prolíficos para el conjunto: lanzaron cinco discos, presentaron diez espectáculos, y realizaron giras internacionales que los llevaron a Uruguay, Venezuela, España, México, Chile y Brasil, país en que presentaron un show traducido al portugués.
Los logros continuaron durante los años 80. Les Luthiers siguió sumando países a sus giras, tales como Colombia, Paraguay, Perú, Cuba, Israel y Ecuador.
En esta década el conjunto realizó además tres funciones inolvidables. La primera (1980) tuvo lugar en el Lincoln Center de Nueva York, con un espectáculo traducido al inglés.
La segunda –tal vez la más memorable- fue el 11 de agosto de 1986, día en que se presentaron en el Teatro Colón de Buenos Aires, uno de los grandes templos de la lírica mundial, lo que significó un importante reconocimiento a la trayectoria del grupo. Y dos años más tarde, el 26 de diciembre de 1988, con motivo de la celebración de los cinco años de la recuperación de la democracia en la Argentina, realizaron una actuación sobre un enorme escenario montado en las avenidas 9 de Julio y Libertador, ante más de 50.000 personas.
En 1995 asumió la representación del conjunto Lino Patalano, un reconocido productor artístico, manager de destacadas figuras, como el bailarín Julio Bocca y la actriz Norma Aleandro. Patalano dio un renovado impulso a la proyección internacional de Les Luthiers. Como consecuencia, el grupo intensificó sus giras por España y las principales capitales latinoamericanas.
El 21 de agosto de 2000 Les Luthiers volvió al Teatro Colón, con una función a beneficio del Collegium Musicum de Buenos Aires, acompañado por la Camerata Bariloche, con la que posteriormente presentaron otro espectáculo, El grosso concerto.
La abrumadora demanda de entradas de Les Luthiers en la Argentina hizo que en 2004, el conjunto buscara un lugar de mayores dimensiones para sus temporadas en Buenos Aires. Así, cambiaron al Teatro Coliseo, que fue su “sede” durante casi 30 años, por el Gran Rex, con capacidad para 3.300 espectadores (casi 1.500 más que el Coliseo). La reacción del público superó las expectativas: Ese año hicieron 43 funciones.
En enero de 2005, el grupo se presentó en el 45° Festival Nacional de Folclore de Cosquín, en la provincia argentina de Córdoba. Allí, 11.000 espectadores celebraron y aplaudieron el repertorio folclórico que Les Luthiers preparó para esa ocasión; fue otra función inolvidable para todos sus integrantes.
(info de la página oficial de les luthiers)
un poco de estos genios para el fin de semana...

Pablo Ramírez

viernes, 23 de octubre de 2009

Música!


Como cada viernes, recomendamos algo de música para disfrutar el fin de semana.

Y hoy, nos enfocamos en una época maravillosa para cuarentones, cincuentones, sesentones, etc. pero además para todos aquellos "menores" que la ligaron de rebote porque estas canciones han permanecido inalterables al paso de los años.

Si, nos referimos a aquellos artistas y temas que acompañaron nuestra adolescencia y más, a través de su música bonachona, inocente, divertida... Ésas canciones reflejaban nuestras ganas de vivir a toda velocidad (pero con el cinturón de seguridad puesto, eh!). Éramos medio bobos, no? Es que había mucho más respeto por cosas que ahora ni siquiera se les pasa por la cabeza a nuestros chicos. Tal vez pensando un poco mejor uno pueda reconocer que esa falta de límites de hoy... también es culpa nuestra! Bueh, daría para un debate largo.

Pero tenemos todo el fin de semana para sentirnos cada uno Isidoro o Cachorra en Mau Mau disfrutando una vida sin problemas, sin culpas, sin horarios, sin más responsabilidad que volver a casa a una hora "decente" y saber que ante cualquier peligro, papá y mamá resuelven todo!

Quién pudiera volver a aquellas camisas floreadas, vaqueros pata de elefante. cinturones anchísimos, colgantes de todo tipo y para ellas: minishorts, capelinas, largas botas blancas o esas plataformas de corcho que se subían por escalera... ja ja. A su tiempo la moda reinventará todo otra vez.

Un poco de esa música para el fin de semana:

1- Rubén Mattos (Salta Pequeña Langosta - Que La Dejen Ir Al Baile Sola)

2- Los Iracundos (Puerto Montt - Va Cayendo Una Lágrima)

3- La Joven Guardia (Comprador de Amaneceres - El Extraño del Pelo Largo)

4- El Club Del Clan (Todo: Palito, Violeta, Lalo Fransen, Jolly Land, Johnny Tedesco, Nicky Jones)

5- Sergio Denis (Te llamo Para Despedirme - Cada Vez Que Sale El Sol)

6- Banana (Negra, No Te Vayas De Mi Lado - Conociéndote)

7- Industria Nacional (Un Día de Paseo en Santa Fe - La Tarde Que Te Amé)

8- Salvatore Adamo (Mis Manos En Tu Cintura - Un Mechón De Tus Cabellos)

Y mucho más, por supuesto... Raphael, Sandro, Rita Pavone, Peret, etc, etc, etc.


Pablo Ramírez

viernes, 16 de octubre de 2009

Música!


Pet Shop Boys ha vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo. Desde 1986, 40 de sus singles han alcanzado el Top 20 y 22 el Top 10 en Inglaterra y está considerado como el mejor dúo en toda la historia de la musica Pop, no sólo por los éxitos obtenidos tanto en ventas y puestos en los charts de mayor prestigio del mundo sino también por su alto nivel compositivo y vanguardista en cada uno de sus discos y presentaciones en vivo. Los Pet Shop Boys, no solamente componen para sí mismos, sino que colaboran frecuentemente con otros artistas tanto en la producción, composición y remezcla de temas. Una de las características mas elocuentes con la que se los puede identificar es la imagen que han sabido mantener por años y que han ido renovando a través del tiempo. Si bien en las primeras presentaciones no poseían un look muy definido, cuando empezaron a adquirir fama internacional y mayor protagonismo en la televisión, el dúo adoptó una imagen más acorde a sus personalidades individuales: Neil Tennant siempre vestido de manera elegante y sobria, mientras que su compañero Chris Lowe usando atuendos a la moda casual, con su eterna gorra de béisbol y anteojos de sol. Ya con la decisión tomada de los roles que cada uno de los integrantes iba a cumplir en Pet Shop Boys, Neil Tennant se colocó al frente mientras que Lowe se ponía en un segundo plano, mas silencioso y pasando casi desapercibido. Desde los primeros años en los cuales Pet Shop Boys adquirió notoriedad mundial, comenzaron a colaborar con prestigiosos artistas ya consagrados como es el caso de Liza Minelli, Dusty Springfield, Boy George, Blur, Suede, Kylie Minogue, Robbie Williams, David Bowie, The Killers, Yoko Ono, Madonna, Tina Turner.
Una mirada a esta música en el fin de semana...
Pablo Ramírez

viernes, 9 de octubre de 2009

Música!


John Lennon, uno de los más famosos músicos y compositores de música pop y rock del siglo XX, tanto en los años 60, al frente del grupo The Beatles -probablemente el más influyente de la historia de la música popular- como en los setenta, ya en solitario. El 22 de abril de 1969 añadió el apellido de su esposa Yōko Ono al suyo, llamándose John Winston Ono Lennon. Con The Beatles, Lennon cantaba y tocaba principalmente la guitarra rítmica, la armónica y el piano, además de otros instrumentos de teclado y, por ejemplo, el banjo, y firmó además la mayor parte del material junto a su compañero Paul McCartney, aunque en realidad en la mayoría de los casos trabajaron por separado. Muchas de estas composiciones, dada la repercusión mundial del grupo, se han convertido en algunas de las melodías más conocidas del siglo XX. Lo mismo puede decirse de las canciones de su etapa solista, entre ellas: "Imagine", convertida desde el principio en un himno pacifista conocido en todo el mundo.

John Winston Lennon nació en Liverpool, Inglaterra, el 9 de octubre de 1940 (hoy cumpliría 69 años), durante un bombardeo nazi. De ahí que, en un gesto de patriotismo, sus padres le impusieran como segundo nombre el del Primer Ministro británico en ese momento, Winston Churchill. Su padre, Alfred Lennon, abandonó a su mujer, Julia Stanley, y a su hijo recién nacido, enrolándose en un mercante con destino a Estados Unidos para evitar ser movilizado por el ejército británico y enviado a la guerra. Tras cumplir John los cinco años sin que su padre diese señales de vida, su madre volvió a casarse con un hombre que no deseaba criar a un hijo del anterior matrimonio de su esposa, por lo que Julia dejó a John al cuidado de su hermana Mimi y del marido de ésta, George Smith, de quien John recordaría que le enseñó a resolver crucigramas y le compró una armónica. No obstante, Julia no abandonó nunca a su hijo, a quien visitaba frecuentemente en casa de la "tía Mimi", y de hecho fue su madre quien le inculcó a Lennon el gusto por la música e, incluso, le enseñó a tocar algún instrumento. El enorme amor que John siempre tuvo por su madre compitió muy de cerca con el que tuvo por su tía Mimi, que lo había criado: años después, cuando fue nombrado Miembro del Imperio Británico junto con los otros tres miembros del grupo, John regaló la condecoración a su tía, quien la tuvo en su propiedad con gran orgullo (colgada en la pared, sobre el televisor) hasta su muerte. Cuando John tenía diecisiete años, su madre murió en un accidente de tránsito, atropellada por un policía ebrio. Este hecho causó en Lennon un trauma del que nunca llegó a recuperarse, que reflejaría por ejemplo en dos de sus composiciones, "Julia" (1968) y "Mother" (1970), en la que entremezcla el dolor por la pérdida de su madre cuando más la necesitaba y el abandono por parte de su padre. De éste no volvería a saber hasta que, habiendo alcanzado ya fama mundial con The Beatles, reapareció en su vida cuando trabajaba de camarero en un hotel. John aceptó el reencuentro con alegría y se ocupó de él económicamente hasta su fallecimiento (en la citada "Mother", Lennon canta "Father, you left me, but I never left you…", "Padre, tú me abandonaste, pero yo nunca te abandoné a ti...").

Durante su juventud, Lennon asistió a la escuela de Bellas Artes de su ciudad y allí conoció a Cynthia Powell, que con el tiempo se convertiría en su primera esposa. Interesado desde su infancia en la música, antes de formar The Beatles participó en otras bandas, como The Quarry Men, Johnny & The Moondogs y John & The Silver Beetles, en las que estuvo acompañado por amigos de su escuela, entre ellos Stuart Sutcliffe. En 1957, durante una actuación en una fiesta, un amigo común de John y Paul McCartney, Ivan Vaughan, los presentó. John invitó a Paul a unirse al grupo porque sabía tocar la guitarra y, además, afinarla, lo que llamó su atención. Más tarde entraron en la banda George Harrison, propuesto por McCartney, y, ante la necesidad de tener un baterista propio, Pete Best, que además era hijo de la propietaria del club "The Casbah" y por tanto aportaba una seguridad en la continuidad de sus actuaciones. Posteriormente, tras una prueba en la compañía discográfica Parlophone el productor artístico, George Martin, les sugirió un cambio en el baterista y los tres miembros fundadores tomaron la decisión de convocar a Ringo Starr, por entonces baterista del grupo Rory Storm and the Hurricanes. El nombre del grupo evolucionó de John & The Silver Beetles a John Silver & The Beatles y posteriormente al nombre con el que pasarían a la historia. John fue quien ideó el nombre "The Beatles", uniendo el anterior de "Beetles" (escarabajos) con la palabra inglesa beat ("ritmo"), por el género que tocaban entonces, la música beat.

En 1962 comenzó el éxito en Inglaterra del cuarteto con su primer tema: "Love me do", y en agosto de ese mismo año John se casó con Cynthia, con la que tendría su primer hijo, Julian, que también se dedicaría a la música. En 1963 el grupo grabó su primer elepé: "Please Please Me". Más tarde, ese mismo año, conquistaron el mercado norteamericano con su disco: "With The Beatles". A partir de ese momento la fama del grupo no hizo sino crecer, transformándose en un fenómeno de masas a nivel mundial, con una enorme influencia no sólo en la música popular sino también en el comportamiento de la juventud.

En 1966 se produjo un hecho que evidencia la personalidad rebelde y combativa de Lennon, al afirmar en una entrevista «The Beatles son más populares que Jesucristo». La frase, difundida rápidamente por la prensa, creó un gran escándalo e incluso algunos fans en Estados Unidos llegaron a quemar sus discos del grupo en público. John alegó posteriormente que había sido malinterpretado y explicó: «No dije que The Beatles son mejores que Jesucristo, dije que somos más populares, como lo puede ser la televisión o cualquier otra cosa». Ese mismo año, John conoció a la artista plástica japonesa Yoko Ono mientras visitaba una exposición suya en Nueva York. Yoko se convertiría en el gran amor de su vida y ambos contraerían matrimonio, en Gibraltar, en 1969, tras haberse divorciado de Cynthia. Yoko le indujo a experimentar con nuevos tipos de música e influyó definitivamente en la personalidad de Lennon, que cambió su modo de pensar y actuar. Muchos fans consideran a Yoko la causante de la enemistad entre John y Paul, una de las causas que dio lugar a la ruptura del grupo en 1970. Durante ese mismo 1966, Lennon residió durante mes y medio en Almería (España), durante el rodaje de la película How I won the war de Richard Lester, con quien ya había trabajado en el rodaje de la primera película de The Beatles, A Hard Day's Night. En esta película Lennon apareció públicamente por primera vez con anteojos, ya que hasta entonces se había intentado ocultar a sus fans su necesidad de usarlos. Desde ese momento, sus características gafas redondas se convertirían en una de sus señas de identidad. El 11 de diciembre de 1968 Lennon actuó por primera vez en público sin sus compañeros durante la grabación del especial de televisión The Rolling Stones Rock and Roll Circus. Lo hizo al frente de The Dirty Mac, una banda efímera creada única y especialmente para la ocasión y en la que también participaron Eric Clapton, Keith Richards y Mitch Mitchell. En 1969 se produjo la disolución práctica del grupo, para el que Lennon firmó en compañía de McCartney la mayoría de los temas, aunque en realidad la participación de cada uno en los temas del otro fue cada vez menor. Aunque existen numerosos estudios y libros publicados sobre el tema, es difícil saber hasta qué punto se producía esa participación de cada uno en los temas del otro, existiendo por ejemplo canciones que se sabe compuestas exclusivamente por uno de ellos pero que no obstante también firmaron como Lennon y McCartney. De hecho, años después, McCartney comenzó a acreditar algunas de esas canciones, de su autoría, a McCartney y Lennon.

En 1970, tras disolverse oficialmente The Beatles, Lennon, con una cada vez mayor influencia en la juventud de todo el mundo por sus opiniones políticas y su compromiso pacifista y antibelicista, comenzó su carrera solista que con el tiempo incluiría otras nuevas canciones que se convertirían igualmente en clásicos. No obstante, sus primeros trabajos fuera del grupo fueron tres álbumes experimentales grabados en compañía de Yoko que tendrían una mínima repercusión comercial: "Unfinished Music No.1: Two Virgins", "Unfinished Music No.2: Life with the Lions" y "Wedding Album", el primero grabado en 1968 y los otros dos en 1969, año en que también se editaría el disco en vivo: "Live Peace in Toronto 1969" a cargo del grupo conceptual The Plastic Ono Band, en el que, además de Lennon y Ono, participaban otros músicos que variaban para cada ocasión y bajo cuyo nombre la pareja editaría sus futuros álbumes.

En 1970 sale a la venta John Lennon/Plastic Ono Band, realmente el primer álbum de estudio de Lennon, con temas como "Mother", "Working class hero", que muestra el pensamiento más izquierdista de Lennon y "God", toda una declaración de principios en la que llega a renegar del grupo que le diera fama mundial. En 1971 publica un nuevo disco: "Imagine", que contiene la que sin duda es su canción más famosa, el himno pacifista «Imagine». Aunque ya se había hecho patente en algunas de sus primeras composiciones en solitario la rivalidad que arrastraba con McCartney desde los tiempos de The Beatles, en las primeras ediciones de este trabajo esto se hizo evidente, ya que en la portada aparecía una fotografía de Lennon sujetando un cerdo, un supuesto insulto hacia McCartney. De hecho, la imagen parodiaba la portada del álbum Ram de McCartney, en la que éste sujetaba un carnero; en dicho álbum de McCartney, la canción "Too Many People" era una burla John Lennon. En otro tema del disco, "How do you sleep?" ("¿Cómo puedes dormir?"), también hay claros ataques a su ex compañero. Las tendencias políticas de Lennon se habían evidenciado desde la época de The Beatles, pero se exacerbaron por ejemplo con canciones como "Power to the people", editada en un sencillo también en 1971. De hecho, cuando en esa época el músico decidió mudarse de Londres a Nueva York, tuvo problemas para tramitar el visado debido a las reticencias del gobierno de Estados Unidos por su actitud pacifista y su influencia sobre la juventud, así como por su presunta contribución económica al grupo liberacionista y antirracista de los Panteras Negras. Finalmente consiguió instalarse en la ciudad, desde donde iniciaría varias campañas muy politizadas con conciertos y manifestaciones a favor de la paz y que le valdrían el título de "Persona non grata" en la ciudad.

En sus discos siguientes, Some Time in New York City (1972), Mind Games (1973), Walls and Bridges (1974) y Rock 'n' Roll (1975), mantuvo un estándar de calidad, con buenas canciones y ocasionales contribuciones de Yoko y amigos como George Harrison, Billy Preston, Harry Nilsson, Elton John o David Bowie.

En 1973 y por espacio de 18 meses, Lennon y Ono se separaron brevemente por problemas maritales. Ese período, que el propio Lennon llamó “The Lost Weekend” (“Fin de semana perdido”), consistió en una relación sentimental que el músico sostuvo con su asistente personal, May Pang. Curiosamente, la iniciativa del amorío provino de la propia Yoko Ono. Durante este lapso Lennon grabó los discos “Mind Games”, “Walls and Bridges” y “Rock ´n Roll” antes de regresar definitivamente a su antigua relación sentimental. Coincidentemente, fue el período de mayor acercamiento con su primer hijo Julian y la última vez en la que grabaron de nuevo Lennon y Paul McCartney fuera de The Beatles. Esta cita ocurrió en 1974, en California.

En 1975 cuando la pareja Lennon-Ono se reconcilió, y después de un aborto, Yoko da a luz al único hijo del matrimonio, bautizado como Sean Taro Ono Lennon. A partir de entonces, mientras su esposa se encargaba del aspecto financiero del matrimonio, Lennon se ocupó de la educación y cuidado de su hijo, abandonando su carrera musical activa. No obstante, y pese a que al regresar al mundo profesional de la música cinco años después declararía que durante todo este tiempo había abandonado la música (en una entrevista afirmó que había tenido la guitarra colgada de la pared sin usarla), en realidad esos años no fueron de total inactividad musical, pues siguió componiendo canciones y grabando demos caseros de las melodías y letras que iba escribiendo. En 1980, cinco años después de su último trabajo, Lennon sacó a la venta su esperado regreso: "Double Fantasy", que se abría con el tema "(Just like) starting over". Fue tal el éxito que Lennon regresó al estudio para grabar un segundo álbum inmediatamente: "Milk and Honey". Sin embargo, el trabajo y la vida de Lennon se verían interrumpidos por su asesinato el 8 de diciembre de ese año, mientras volvía paseando a su apartamento del Edificio Dakota, acompañado de Yoko, tras una sesión de grabación.

Terminaba así la vida de uno de los músicos más influyentes de la música popular del siglo XX, elevado por sus seguidores a la categoría de mito, y al que en años posteriores se homenajeó en cientos de tributos, como por ejemplo sendos conciertos en Liverpool y Nueva York ante, respectivamente, 40.000 y 120.000 personas. En el año 2000 su ciudad natal, Liverpool, decidió cambiar el nombre de su aeropuerto, que desde entonces se denomina Aeropuerto John Lennon. Un claro ejemplo de la preocupación por la influencia que el músico podría tener en la juventud por sus ideas pacifistas y especialmente por su oposición a la Guerra de Vietnam, es el seguimiento personal del músico que hizo el FBI durante sus primeros años de estancia en Estados Unidos. En 2006 dicho organismo admitió el espionaje al que había sometido a Lennon y se vio obligado por una orden judicial a publicar todos los documentos secretos que había elaborado sobre él entre 1971 y 1972. En octubre de 2007 fue inaugurado un monumento en la Isla de Videy (Islandia) llamado Imagine Peace Tower, obra de Yoko Ono quien estuvo acompañada para la ocasión por su hijo Sean, Ringo Starr y Olivia Harrison, viuda de George Harrison.

(fuente: wikipedia)

Una mirada a esta música para el fin de semana largo...


Pablo Ramírez

viernes, 2 de octubre de 2009

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Hoy: Stevie Wonder.

Stevland Judkins nació prematuramente el 13 de Mayo de 1950, en Michigan, EE.UU., lo que le provocó la ceguera por el tiempo transcurrido en la incubadora. Sus padres murieron cuando era niño. Fue adoptado y recibió un nuevo nombre Steveland Morris. Aprendió desde muy pequeño a tocar gran cantidad de instrumentos, destacando con el piano, la flauta dulce, las congas y la armónica.
Stevie Wonder es un notable cantante, compositor, productor discográfico, multiinstrumentista y activista social de su país. Recibió hasta el presente, 24 premios Grammy -récord para un artista en actividad- y pertenece al Salón de la Fama del Rock and Roll de los compositores famosos.
Wonder se ha convertido en uno de los más exitosos y reconocidos artistas internacionales con más de 100 millones de discos vendidos. Ha grabado diversos discos que fueron aclamados por la crítica y el público así como también ha escrito y producido para otros artistas. Wonder toca diversos instrumentos como la batería, bajo, congas, y, más notablemente el piano, la armónica y todo tipo de teclados.
En 1962, a los 11 años, llegó al sello Motown de la mano de Ronnie White, uno de los componentes del archifamoso grupo The Miracles y Berry Gordy, presidente de la discográfica, lo contrató inmediatamente, Little Stevie Wonder, a causa de su virtusismo. A los trece años de edad, el pequeño Stevie Wonder tuvo su primer éxito importante, Fingertips (Pt. 2), un sencillo de 1963 grabado en vivo en uno de los conciertos de los artistas de la Motown. La canción, que presentaba a Wonder como vocalista, con las congas y la armónica y a un joven Marvin Gaye en la batería, fue un éxito en los Estados Unidos y lanzó a Stevie al reconocimiento del público, demostrando que de «pequeño» no tenía nada.
Además de Marvin Gaye, Stevie Wonder fue una de las pocas estrellas de Motown en estar en desacuerdo con los métodos tradicionales de trabajo en las discográficas, es decir, artistas, compositores, y productores eran usualmente mantenidos dentro de cooperativas especiales y carecían de control creativo alguno. Wonder discutió con Berry Gordy sobre esto varias veces, sin llegar a ningún acuerdo por lo que Wonder dejó que su contrato expirara, abandonando Motown el día de su cumpleaños número 21, en 1971.
En los '70s, Stevie fue el primer artista en la historia en hacerse cargo de la grabación de prácticamente todos los instrumentos del disco, además de ejercer las tareas de producción, composición y arreglos. La década resultó gloriosa: de 1974 a 1977 Wonder ganó 14 Grammys incluyendo tres «discos del año» seguidos por sus álbumes: Innervisions, Fullfillingness first finale y Songs in the Key of Life, para muchos uno de los mejores discos de la historia. Fue un periodo muy rico en creatividad y premios para Stevie, precursor en el empleo de sintetizadores y fuente de inspiración para los músicos venideros y de la época.
Wonder recibe los ochenta a ritmo de reggae con el hit "Master Blaster", en homenaje a Bob Marley, lo que le abre mercado a una audiencia más amplia. Además, realiza colaboraciones importantes como "Ebony and Ivory", junto a Paul McCartney y "Just good friends", junto a Michael Jackson, "That's What Friends Are For", con Dionne Warwick, Elton John y Gladys Knight, y recibe un nuevo Grammy por "We are the World". En 1984 lanza "The woman in Red", para la banda sonora de la misma película, consiguiendo un Oscar por la canción "I just call to say I love you". Más recientemente, en 2007, realizó su primera gira en diez años por los Estados Unidos, que continuó al año siguiente por Europa, Canadá y Australia. Actualmente comparte su vida con la diseñadora de moda Kai Milla, que le ha dado dos hijos más, el último nacido en el 2005, el mismo dia de su cumpleaños. En total, Wonder es padre de diez hijos.

Una mirada a esta música para el fin de semana…
Pablo Ramírez

viernes, 18 de septiembre de 2009

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Hoy: Fabiana Cantilo.
Nació en Capital, el 3 de marzo de 1959. Hija de Gabriel Cantilo y Silvina Luro Pueyrredón. Es sobrina de César "Banana" Pueyrredón y prima de Patricia Bullrich. Comparte el apellido con los cantantes Miguel Cantilo y María José Cantilo aunque sin parentesco directo con ellos.
Comenzó a hacerse conocida a través de las Bay-Biscuits, un grupo de rock-teatral que participaba en los shows de músicos de primer nivel como, por ejemplo, Serú Girán. Es así que conoce a Charly García que a su vez la vincula al grupo Los Twist de Pipo Cipolatti.
Al mismo tiempo, trabaja como coro de Charly García y asi conoce a Fito Páez, quien sería su pareja por varios años. Luego, se desvincula de Los Twist y en 1985 graba su primer disco solista: "Detectives".
En 1990 compuso con Charly García el tema: "Siempre puedes olvidar", incluído en el álbum: "Filosofía barata y zapatos de goma". Su trabajo más exitoso fue el disco: "Algo Mejor", editado en 1991. Con mayoría de temas compuestos por Fito Páez, ese trabajo tuvo amplia repercusión gracias a la canción: "Mi enfermedad", de Andrés Calamaro.
Su carrera continuó como vocalista invitada en los conciertos de García, Los Twist y Páez y hasta como telonera de Roxette, cuando el dúo sueco se presentó en Vélez. Después editó: "Información Celeste", doce temas que demuestran su crecimiento tanto personal como profesional. Su siguiente trabajo fue: "Inconsciente Colectivo", que recibió un Premio Gardel y fue nominado para el Grammy Latino, y que reúne grandes temas, cantados junto a dúo junto a Fito Páez, Daniela Herrero, Gustavo Cerati e Hilda Lizarazu. Este álbum de 2005 es un homenaje al rock argentino e incluye canciones de Spinetta, Divididos, Suéter, Charly García, Fito Páez, Los Redonditos de Ricota y Calamaro.
En el 2007 editó su CD solista: "Hija del Rigor". El 2008 fue un año ambivalente para la cantante, por un lado: "Hija del Rigor" le valió el reconocimiento de la crítica como uno de los mejores trabajos del rock argentino a cargo de una solista femenina y por el otro, cuestiones personales hicieron que deba ser internada en una clínica siquiátrica. Una vez dada de alta volvió a los escenarios con shows en la Trastienda y el ND Ateneo. Actualmente está preparando su nuevo trabajo discográfico titulado "En la vereda del sol", una continuidad de su exitoso "Inconsciente Colectivo".

Una mirada a esta música para el fin de semana…

(Gracias amigos de internet por la data)
Pablo Ramírez

viernes, 11 de septiembre de 2009

QUE MAESTRO!!!!

Los árabes, además del alfabeto, nos legaron los cuentos sufís.

No se trata de simples relatos contadas con gracia y moraleja.

Son una vía para el conocimiento, son metáforas a través de historias que tiene siempre como protagonista, al mulláh NASRUDIN. Mulláh en árabe significa maestro.-

Ahora les voy a contar una historia del maestro NASRUDIN.-

La esposa del mullah estaba molesta por las carencias económicas que sufrían.

Pensaba que si en vez de haberse casado con un religioso hubiera optado por un comerciante no sufriría privaciones.

Encaró al mullah y le dijo:

¿Cuándo DIOS te va a pagar por toda la propaganda que le hacés=

No sé si debería pagarme –respondió el mullah. Pero voy a intentarlo.-

Acto seguido, fue hasta la puerta de su casa y mirando hacia el horizonte del desierto, clavó las rodillas contra el piso y preguntó:

DIOS NO ME DEBERÍAS DAR UNA RECOMPENSA POR TANTO ESFUERZO?.-

Un avaro, que envidiaba la sabiduría del mullah, para burlarse, tomó un saco lleno de monedas de oro y lo dejó caer desde la azotea.-

Cuando Nasrudín se topó con la sorpresa, se persignó y dijo GRACIAS, MI ESPOSA NO LO VA A PODER CREER.-

La esposa se desmayó y minutos después todo el pueblo se arrodillaba ante el mullah por el milagro.-

El avaro decidió aguar la fiesta y ante la multitud exclamó:;

ES UN FARSANTE. EL DINERO ES MÍO. LO ARROJÉ DESDE LA AZOTEA PARA QUE ESTE INFELIZ SE CREA POR UN INSTANTE UN ELEGIDO DEL SEÑOR.-

El mullah, un hombre de recursos le dijo: TU HAS SIDO SIMPLEMENTE EL INSTRUMENTO DE DIOS PARA CUMPLIR SU DECISIÓN. ESTE DINERO ES MÍO.-

El avaro gritó: ESTAFADOR! Vayamos frente a un JUEZ para ver si cree tu estúpida historia.-

El mullah aceptó el desafío. Pero unas cuadras antes del Juzgado dijo: OYE LA JUSTICIA ES MUY PREJUICIOSA, CÓMO VAN A CREER QUE UN HOMBRE COMO YO QUE VISTE HARAPOS PUEDA TENER UNA FORTUNA. SE GUIAN SOLO POR LAS APARIENCIAS.-

El avaro respondió: PONTE TU MI ROPA. YO VESTIRÉ HUMILDEMENTE. IGUAL ME DARÁN LA RAZÓN. LA JUSTICIA ES CIEGA.-

Se cambiaron las ropas. El mullah sorprendía en las calles con un traje azul de hilo egipcio. El avaro daba pena con los pantalones remendados.-

Antes de ingresar al Juzgado el mullah se detuvo y dijo: TU VAS EN CABALLO. YO A PIE. COMO VA A CREER EL JUEZ A UN HOMBRE QUE CAMINA COMO LO HACEN LOS POBRES. LA JUSTICIA ES PREJUICIOSA.-

El avaro inmediatamente descendió de su caballo y se lo entregó al mullah. Así ingresaron al Tribunal.-

SE DECLARA ABIERTO EL JUICIO CONTRA NASRUDIN expresó el magistrado.-

EN FORMA INQUISIDORA EL JUEZ LE DIJO AL MULLÁH: Este hombre te acusa de fraude. Dice que esas monedas de oro le pertenecen…¿Qué PUEDES DECIR EN TU DESCARGO?

El Mulláh abrió sus brazos de manera monacal. Y dirigiéndose más al público que al juez dijo:

ESTE HOMBRE DELIRA, CREE QUE TODO LE PERTENECE.-

PREGUNTELE SEÑOR MAGISTRADO SI SABE DE QUIEN SON LAS ROPAS QUE TENGO PUESTAS….

MÍAS GRITO EL DEMANDANTE.-

PREGÚNTELE AHORA SI SABE DE QUIEN ES ESTE CABALLO.-

MÍO GRITO EL ACUSADOR.-

EL JUEZ SIN DUDARLO, CON SU MANO DERECHA DIO UN GOLPE DE MARTILLO QUE HIZO TAMBALEAR AL ESCRITORIO
Y EXCLAMÓ:

CASO CERRADO. El ORO ES TUYO MULLÁH.-


ROSARIO LUFRANO

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Hoy: Elton John.
Sir Elton Hercules John CBE (Caballero del Imperio Británico) nació en Londres, el 25 de marzo de 1947. Cantante, compositor y pianista, su nombre completo y verdadero es: Reginald Kenneth Dwight.
A lo largo de sus más de 40 años de carrera musical, Elton John ha superado los 200 millones de discos vendidos y ha colocado más de 50 canciones en los charts del mundo, convirtiéndose en uno de los músicos de más éxito de todos los tiempos. Fue educado en la Royal Academy of Music gracias a una beca que consiguió a la edad de 11 años y que abandonó seis años después para dedicarse al rock. A partir de 1964 -tenía 17 años- comenzó a colaborar en el grupo Bluesology, donde conoció al cantante Long John Baldry. Como homenaje a él y al saxofonista Elton Dean adoptó el nombre artístico de Elton John.
A finales de los sesenta, Elton conoció al letrista y poeta Bernie Taupin. Juntos obtuvieron su primer gran éxito en 1970 con el tema: "Your Song". En 1971, logró colocar simultáneamente cuatro de sus discos entre los diez primeros en los charts de Estados Unidos, algo que no ocurría desde los Beatles. También en ese mismo año Elton empezó a desarrollar una galopante alopecia que le conduciría años después al uso de peluca.
Durante los años ’70 llegó su consagración como una auténtica estrella. Comenzó a actuar vestido con extravagantes disfraces y otros adornos característicos del glam rock usándolos en conciertos multitudinarios. En esa época tuvo grandes éxitos como Crocodile Rock (1972), Candle In The Wind (1973), Bennie And The Jets (1973) y Don’t Let The Sun Go Down On Me (1974). Entre 1972 y 1975, siete de sus discos llegaron a los primeros puestos de las listas de ventas británicas.
En 1975 participó en la película Tommy, dirigida por Ken Russell y escrita por Pete Townshend, guitarrista de The Who. Por aquella época escandalizo a la opinión pública con declaraciones sobre su homosexualidad. Al entrar en los ’80, dejó de lado temporalmente su relación con Taupin además de moderar su imagen y su música, haciéndola más melódica. Produjo nuevos éxitos como “I'm Still Standing” y Little Jeannie pero ya con menos frecuencia, y su vida privada vivió también algunos problemas.
Ya en los '90 le afectó profundamente la muerte por SIDA de un amigo suyo que sufría de hemofilia, Ryan White. Tras el funeral confirmó estar él mismo en tratamiento para superar su adicción al alcohol, las drogas y la bulimia. En 1992 fundó la Elton John AIDS Foundation, una de las mayores organizaciones no lucrativas para la erradicación del sida, a la que decidió destinar todos los beneficios de sus singles. Un Elton John renovado y más sobrio obtuvo un nuevo éxito en 1994 con su participación en la banda sonora de la pelísucla de los estudios Disney: "El Rey León" en colaboración con Tim Rice. Gracias a su participación en ese film ganó un Grammy y un Oscar.
El asesinato de su amigo Gianni Versace y la muerte en un accidente de tránsito de su también amiga Diana de Gales supusieron para Elton un fuerte golpe en 1997. Obtuvo un rotundo éxito con su homenaje a la princesa Diana, con una nueva versión del tema: "Candle in the Wind", que batió todos los récords y resultó ser el single más vendido en la historia de la música. Al año siguiente, 1998, fue nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico y después recibió un Grammy honorífico por su trayectoria musical.
En diciembre de 2005, Elton John formalizó su relación con su pareja de más de 12 años, el director de cine canadiense David Furnish, al entrar en vigencia la nueva ley británica de uniones civiles homosexuales. El certificado de boda revela un detalle inédito: el popular artista se llama realmente Hércules, además de Reginald Kenneth Dwight. Entre otros detalles, indica que Elton John se presentó como "músico", mientras que su pareja dijo ser "realizador de cine". Además, el famoso cantante declaró en los documentos del registro que en el año 1984 estuvo casado con Renate Blauel, ingeniera de sonido alemana, de la que se separó poco después del enlace.
En 2007, año en que festejó sus 60 años de vida y 40 de carrera artística, ocupó el sexto lugar entre los "Personajes Artísticos de Influencia Mundial", de la revista Forbes. Aquel mismo año, se editó un DVD Especial con su aparición en vivo en el New York Madison Square Garden (realizada el 25 de marzo, fecha de su cumpleaños).
Actualmente se encuentra de gira con su último disco y en recientes declaraciones durante uno de sus conciertos en Las Vegas (donde desarrolla el espectáculo: "The Red Piano") dejó entrever que no va a publicar más discos utilizando el nombre de Elton John.
John no tiene hijos pero sí, 10 ahijados. Entre ellos: Sean Ono Lennon, hijo de John Lennon y Yoko Ono; el hijo de la modelo y actríz Elizabeth Hurley, Damian Charles; los de David Beckham y Victoria Adams, Brooklyn y Romeo y la hija de Seymour Stein, fundador de la discográfica Sire Records.
Dentro del mundo de la música, Elton es conocido como "Sharon", un sobrenombre que le puso su buen amigo Rod Stewart. A cambio, John suele llamar a Rod como "Phyllis".

Una mirada a esta música para el fin de semana…
Pablo Ramírez